Ses clients ne lui demandent jamais quand ce sera fini. Ils lui confient un meuble, et ils attendent qu’elle les rappelle.
Christelle Le Bloas est maître verrier et maître laqueur. Elle a d’abord été formée au vitrail, et elle a gardé les deux métiers. Son atelier historique est à Meudon, au Potager du Dauphin, où travaillent une quinzaine d’artisans d’art, de la modiste à la restauratrice de tableaux ; depuis 2021, elle en a ouvert un second près de Chartres, et partage son temps entre les deux. C’est par les jardins du Potager que la Lettre l’a rencontrée.
Nous avons parlé une heure, au téléphone, le 29 octobre. Ce qui suit est dans ses mots. Quatre images et quatre extraits de sa voix ponctuent l’entretien ; on peut le lire dans l’ordre ou par bonds, chaque réponse se suffit. À la fin, deux questions, les mêmes pour chaque invité : ce qui, dans son travail, ne ressemble à personne d’autre ; et à qui appartient une pièce qu’elle a restaurée. La Lettre paraît au rythme des rencontres, avec des artisans d’art, des juristes et des gens du patrimoine ; voici la première.
Des clients un peu rebelles
Vos pièces sont fortes. Où vont-elles, dans les intérieurs d’aujourd’hui ?
Je vais parler de laque, parce que c’est là que je travaille le plus. De prime abord, on se dit : c’est très fort comme pièce, on ne va pas intégrer ça dans un intérieur d’aujourd’hui, où finalement on passe les portes, et c’est un peu la même chose chez tout le monde. Moi, j’aime bien mes clients pour ça : je les trouve un peu rebelles. Ils défendent une idée du beau, une idée du savoir-faire. On n’est pas dans un effet de mode. Il y a une grande liberté à vouloir encore aujourd’hui cette esthétique, et à se moquer que cela passe ou non dans l’idée commune de maintenant, ce côté tout gris, tout noir, très lisse.
Qui vous les apporte ?
Ma clientèle est constituée de 90 % de particuliers. Les 10 % restants sont des institutions comme des ambassades, des châteaux ou autres lieux patrimoniaux qui ont des collections, des antiquaires, designers et autres métiers de la création. La majorité des meubles que je restaure viennent d’Asie, et touchent toutes les périodes du XVIIe au XXIe siècle. Chez les particuliers, ce sont des meubles dits de famille, qui représentent le parcours d’une famille à un moment donné ; ou souvent une démarche amoureuse, des cadeaux faits dans ce cadre-là.
Que vous demandent-ils ?
Ce sont des gens qui ont une vraie éducation aux savoir-faire, une conscience du temps nécessaire pour créer une pièce. Ce ne sont pas des personnes qui cherchent l’immédiateté. Nos échanges sont toujours enrichissants pour moi. Quand on vient me voir, on ne me demande pas quand est-ce que j’aurai terminé. On me dit : vous me rappelez quand vous aurez fini, point. Pas d’urgence de délai.
Moi qui ai besoin de cette liberté-là, je trouve ça extraordinaire, dans le monde dans lequel on vit, où tout le monde souhaite tout trop vite. J’adore mes clients pour ça. Il y a cette confiance-là.
« Vous me rappelez quand vous aurez fini, point. »
Et quand la restauration coûte plus que le meuble ?
Mes clients sont dans un souci de transmission très fort. On raconte l’histoire de la famille, le parcours du meuble, parfois d’un continent à un autre ; ce sont des histoires toujours transmises à l’oral. On investit souvent dans la restauration, parfois plus que la valeur marchande actuelle du meuble, parce que, pour des raisons d’offre et de demande, ce ne sont pas des meubles très cotés aujourd’hui. Mais ce sont des questions qui ne se posent pas : ils veulent que ça perdure. C’est un geste d’amour. Je trouve ça beau, de mettre une intention pareille au travers d’un meuble, dans l’idée de le transmettre à ses enfants et de raconter comment il a été acquis, par qui, comment.
D'où vient la laque
Les premiers objets qu’on a découverts, au XVIe siècle, n’étaient pas du mobilier, mais du contenant : des coffres, par lesquels transitaient les marchandises. C’est comme ça que l’Europe a découvert la laque. Le pic de l’intérêt se situe entre 1730 et 1770 : la cour est très friande de ces produits, sauf qu’on ne sait pas encore les faire exactement comme en Asie. On passe d’une période où l’on ramène énormément de choses à un moment où il faut produire. On fait encore des meubles peints vernis pour donner un fini brillant, mais on ne maîtrise pas tout le process de ponçage et de décor. Ce sont les frères Martin qui vont inventer la laque française : un médium proche de la laque végétale. Technique que j’utilise toujours aujourd’hui.
Sous Louis XV, c’est la période d’appropriation la plus forte. Puis vient la copie, inspirée du Japon, et les grandes années Art déco, 1920, 1930 : de très grandes surfaces décoratives, plus libres, un style français plus affirmé. Les copies moins réussies disparaissent au fil de l’eau ; elles finissent dans les vide-greniers.
Traditionnellement les meubles chinois ou japonais sont des meubles bas : rien n’est monté sur pied, tout est posé sur le sol. À partir du XVIIe siècle, on les a transformés, pour qu’ils correspondent à notre mode de vie. Il y a tout un registre de supports et de pieds complètement anachroniques, arrivés bien après la fabrication du meuble.
Deux métiers qui ne se croisent pas
Vous venez du dessin et de la photo. Comment arrive-t-on au vitrail ?
J’ai été formée à Penninghen, au départ. J’y ai fait une prépa ; j’étais toute jeune, j’avais 18 ans, et je me dirigeais vers l’illustration pour enfants. Sauf que dans ces années-là, c’était l’avènement de l’informatique, et ça m’a fait fuir. On me promettait une carrière derrière un bureau, ce qui n’était pas du tout mon objectif. J’ai bifurqué vers Olivier de Serres, qui ouvrait aux métiers de la main.
Je viens du dessin, de la photo. Mais j’ai une part d’entrepreneur en moi, qui est familiale : j’avais besoin d’être à l’initiative d’un projet, de la conception à la réalisation, jusqu’à la pose, dans la maîtrise d’œuvre du début à la fin. Et le vitrail, c’était un rêve. Qu’il soit possible de le réaliser me semblait assez incroyable, alors j’ai foncé.
Et la laque ?
Au sein de l’école, j’ai pu découvrir la laque, et elle regroupait tout ce que j’aimais. Je venais de l’image ; j’avais eu besoin de passer par la main ; en laque, je retrouvais l’amour de la lumière et ce rapport au graphisme qui me plaisait tant au départ. À l’époque, on pouvait bifurquer d’un atelier à l’autre, il y avait beaucoup d’interaction entre les différents savoir-faire. La formation de vitrail était très classique dans son approche ; en laque, j’ai eu affaire à des professionnels plus inscrits dans l’époque, qui nous donnaient une vision plus contemporaine. Et la laque regroupait à la fois le process du métier d’art, avec une méthodologie, et un côté très créatif, où l’on pouvait exprimer quelque chose de plus personnel.
J’ai monté l’entreprise en sortant de mes études, et je n’ai pas abandonné l’un pour l’autre.
Les deux ne se croisent jamais ?
Techniquement, ce sont deux techniques qui ne se croisent pas du tout. Je n’ai pas trouvé le croisement. Peut-être un jour. Mais cela correspond à mon caractère : j’aime passer d’une chose à l’autre, j’ai besoin que ce soit très mouvant. Passer d’un matériau complexe et dur comme le verre à quelque chose de plus doux comme la laque, j’aime cette alternance, qu’elle soit physique ou mentale.
Le vitrail, aujourd’hui ?
J’ai fait de la restauration, mais c’est un contexte qui demande d’être en équipe, ce que je ne souhaite pas. J’ai fait de belles choses, j’ai restauré certains vitraux de l’Hôtel de Ville de Paris, par exemple, un beau chantier. Mais avec l’âge, le chantier commence à devenir difficile. Je laisse les échafaudages aux jeunes gens. Aujourd’hui, je travaille des projets que je peux faire entièrement en atelier : de la création, de la pièce unique. Et je propose une journée de formation en tête-à-tête, une personne, une journée.
Prendre le temps, quoi qu'il arrive
Vous formez de jeunes compagnons. Qu’ont-ils que d’autres n’ont pas ?
Depuis quelques années, j’ai le plaisir de travailler avec les Compagnons du Devoir et du Tour de France, et c’est une expérience que j’apprécie profondément. Ce sont des jeunes d’une curiosité remarquable, passionnés et pleinement conscients de ce qu’exige le travail bien fait.
Certains n’ont que 16 ou 17 ans, et pourtant, il n’est pas question pour eux de compter leurs heures lorsque le travail le nécessite, ni de remettre en cause le temps indispensable à la réalisation d’un ouvrage de qualité. Ils comprennent déjà que la beauté d’une réalisation se construit dans la patience, la précision et l’exigence.
C’est un cadre de transmission particulièrement stimulant, où l’on se retrouve autour de valeurs communes : le respect du geste, le goût du travail bien fait et la conviction que la qualité ne se précipite pas. Lorsque ces valeurs sont partagées, la formation prend tout son sens.
C’est moi qui me déplace : je déplace l’atelier vers eux, à Tours. Le reste de l’année, ils sont en entreprise, sur des chantiers la plupart du temps ; avec moi, ils découvrent un univers du luxe qui n’est pas du tout la première approche de leur formation. Ça leur ouvre une porte. Approchée dans le cadre d’une concertation sur l’avenir des métiers de la finition, j’ai ensuite eu la chance d’intégrer le cursus du pôle finition.
Qu’emportent-ils en partant ?
Ils me disent qu’ils sont heureux d’avoir découvert un autre secteur et conscients de la valeur de ce partage. On repart avec de la joie ; j’ai coutume de dire que cette semaine à leur côté me réconcilie avec l’être humain. Ils repartent également avec une moyenne de cinq exercices terminés dans la semaine et une grosse partie de mon savoir-faire. Eux travaillent sur du bâti, en intérieur, en extérieur ; le décor n’est pas la part principale de leur travail. Là, ils découvrent la dorure ; on revient à des métiers comme peintre en lettres, auxquels ils n’auraient pas pensé, mais qui aujourd’hui peuvent être un marché. On rouvre des possibles.
Vous dites que votre façon de travailler est « un peu politique » ?
Prendre le temps quoi qu’il arrive, ne pas subir de pression, ne pas plier à ce que l’époque essaye d’imposer. Parfois je dis même qu’on est un peu politiques dans notre façon de fonctionner. C’est très à la mode de parler d’écologie et du fait de ne pas surproduire ; mais en restaurant, ou même en faisant des métiers comme les nôtres, on est déjà dans une démarche où l’on réfléchit à pourquoi et comment on met au monde un objet, et pourquoi on le garde. C’est aussi pour cela que la création n’a jamais pris le pas sur mon travail : produire pour produire, ça ne me parle pas. J’ai besoin que, quand un objet arrive, il y ait un besoin derrière. Conserver, c’est pour moi la façon la plus naturelle de ne pas surcharger notre environnement. J’ai un petit côté écolo là-dessus.
Le restaurateur d’art a toujours été dans cette démarche : réfléchir aux matériaux qu’il utilise. Même quand on produit, on est dans une économie de matériaux, on fait très attention, parce qu’on travaille avec des matériaux nobles. Avec le prix de l’or actuel, on fait encore plus attention qu’avant.
« On est un peu politiques dans notre façon de fonctionner. »
Avec quoi travaillez-vous ?
Il faut d’abord connaître les bois, pour savoir comment le meuble va réagir. Puis vient la préparation des supports : le blanc de Meudon associé à la colle de peau de lapin, un collagène animal, pour des enduits qui perdurent. Pas de produits chimiques industriels. Ensuite, il faut connaître tous les vernis. En décor, maîtriser les incrustations, coquille d’œuf, nacre, pierres, métaux, et la dorure, en feuille ou en poudre. Le dernier volet, ce sont les vernis de finition, le ponçage, le lustrage. Il y a des parties très délicates, et d’autres un peu plus physiques.
Transmettre, mais pas tout
Pourquoi les particuliers, plutôt que les professionnels ?
Pour tout ce que l’on s’est dit depuis le début. Et c’est un chemin de vie, aussi. J’ai la chance d’être proche de l’atelier Midavaine, l’un des plus anciens de la place de Paris, une centaine d’années, à sa troisième génération. Anne Midavaine m’a beaucoup soutenue, cela fait vingt ans qu’elle est là pour moi ; c’est un peu mon mentor, et je suis proche de ses équipes, qui sont des amis. Alors lorsqu’ils ont cessé de faire de la restauration pour faire place à des projets de grande envergure, elle a dirigé certains clients vers moi. C’est un soutien important.
J'aime parler en direct à mes clients, bien comprendre ce qu'ils veulent ; les choses se perdent quand il y a trop d'intermédiaires. J'ai fait de nombreuses collaborations, mais ça doit toujours être une rencontre.
Vous enseignez aussi. Tout ?
Toute l’année, de deux façons. Certains élèves viennent une fois par semaine de septembre à juin ; c’est très familial, on est contents de se retrouver, c’est notre rendez-vous hebdomadaire. Chacun développe ses projets personnels avec mon soutien. La singularité de chacun apporte et nourrit le travail de tous. Ensuite je propose des stages de 35 heures, sur une semaine : le but est d’approcher quatre techniques principales afin d’être autonome. Une fois les techniques acquises, les élèves réfléchissent à ce qui leur correspond, développent leurs projets, et je les aide à les mettre en œuvre. Ce sont des particuliers qui ont envie de découvrir quelque chose, mais aussi des artistes qui viennent changer de médium : ils travaillent avec une technique au départ et la transcrivent en laque. Là, je me mets à l’écoute de leur propos, pour les soutenir au maximum sans les transformer. C’est une grande joie de voir leurs œuvres exposées et trouver leur public.
La restauration, je ne l’enseigne pas. C’est un savoir-faire qui s’acquiert avec le temps : vingt ans d’acquisition, chaque meuble nous apprend quelque chose et j’apprends encore chaque jour. Je penserai à la transmission de ce volet de mon activité dans quelques années, ce n’est pas encore l’heure.
La pièce de 2007, celle qui ouvre ce numéro et qui ne se vend pas : où ira-t-elle ?
Elle s’inscrivait dans une série de cinq, primée par les Ateliers d’Art de France. En laque, l’incrustation de matériaux a toujours été présente : la coquille d’œuf, la nacre, les pierres, les métaux. Mon défi avait été de ramener dans ce médium la photographie, qui me tenait à cœur. Elle est dans l’atelier de Meudon ; c’est une pièce d’atelier, que je ne vends pas.
Je l’imagine comme une pièce de famille, une œuvre qui porterait quelque chose de mon histoire, de celle de mes enfants, et qui pourrait rester dans la famille le plus longtemps possible. J’aimerais qu’elle devienne, d’une certaine manière, l’emblème de l’entreprise. Je ne l’imagine pas partir ailleurs.
Bien sûr, on ne sait jamais ce que la vie nous réserve. Mais dans les ateliers comme le mien, lorsqu’ils ont la chance d’être transmis, certaines pièces réalisées par les générations précédentes demeurent. Elles traversent le temps et deviennent les témoins d’une histoire familiale, presque son symbole. Je crois que c’est le rêve de tout chef d’entreprise : construire quelque chose qui lui survive.
Après, bien sûr, mes enfants en feront ce qu’ils voudront. L’essentiel, à mes yeux, est ailleurs : dans la possibilité de transmettre. C’est ce qui donne du sens à tout cela.
Je ne fais pas les choses uniquement pour moi. Je ne me suis pas engagée dans une démarche d’artiste, tournée vers l’expression de ma seule sensibilité. Je suis artisan. Ce qui m’anime, c’est de bâtir quelque chose de solide, de faire vivre un savoir-faire et de créer un héritage qui puisse, un jour, être transmis à son tour.
D’autres pièces viendront ?
Il y a eu deux grandes vagues : 2007, et en 2011 toute une autre série, sur la tauromachie ; le sujet n’est pas très consensuel, je vous l’accorde, mais lié à ma région natale. Le manque de temps reste un problème, il y a beaucoup de projets qui dorment, que j’aimerais faire naître. Ce sera plus de la création, avec des techniques peut-être plus contemporaines. Je garde ça pour 2027.
Un mot
Si vous deviez résumer votre métier en un mot ?
Je pense que mon métier, la façon dont je le fais et pourquoi je le fais, c’est de l’amour. Je ne sais pas comment le dire autrement, mais vraiment de l’amour dans le sens le plus scientifique du terme : quelque chose qui n’est pas forcément quantifiable, quelque chose qu’on a envie de donner, quelque chose qui fait que ça rayonne. Si je devais résumer mon activité à un mot, ce serait celui-là.
Ça se ressent dans la relation aux clients. Je ne me sens pas commerçante. Il y a toujours une émotion quand on livre quelque chose : les yeux brillent des deux côtés. J’ai un plaisir énorme à satisfaire mes clients, et je vois tout ce que ça peut bouleverser chez eux, de voir renaître une pièce, ou de se dire : j’ai sauvé quelque chose. C’est l’émotion principale de tout ça.
« Mon métier, la façon dont je le fais et pourquoi je le fais, c'est de l'amour. »
Les deux questions
Deux questions ferment chaque entretien de la Lettre. Chaque invité y répond dans ses mots et dans son métier.
I. Qu’est-ce qui, dans votre travail, ne ressemble à celui de personne d’autre ?
Je ne sais pas vraiment… Au fond, je le sais sans doute, parce qu’il y a beaucoup de choses qui me caractérisent, mais je n’arrive pas à les formuler spontanément, là, maintenant.
Alors, je dirais le chiffre 2. C’est celui qui me vient naturellement : j’ai deux ateliers, j’exerce deux métiers, et j’ai deux filles jumelles. Il y a quelque chose qui se répète, comme un fil conducteur.
Quant à savoir ce qui fait que je ne ressemble à personne d’autre, je ne saurais pas le dire précisément. Mais spontanément, c’est le chiffre 2 qui s’impose à moi.
II. Une pièce que vous avez restaurée, à qui appartient-elle : à son propriétaire, à celui qui l’a faite, ou un peu à vous ?
Non, elle ne m’appartient jamais. Elle n’appartient même pas à son propriétaire. Elle appartient à l’époque à laquelle elle a été faite, et même pas non plus à la personne qui l’a faite. Je dirais qu’elle appartient à l’époque d’où elle vient.
« Elle appartient à l'époque d'où elle vient. »
Pour la suivre. Les 28 et 29 novembre, l'atelier ouvre ses portes pour le Noël d'exception du Potager du Dauphin, à Meudon. Le reste de l'année : Atelier Le Bloas, arts du vitrail et de la laque, à Meudon et près de Chartres ; sur Instagram, @atelier_le_bloas.
Propos recueillis par téléphone le 29 octobre 2026, relus par Christelle Le Bloas.
La Lettre paraît au rythme des rencontres. Sébastien Bel, Artdantech, rue des Colonnes, Paris.